探讨蓝调音乐的内涵 (探讨蓝调音乐的特点)

蓝调音乐的起源可以追溯到二十世纪初美国南部，最初是由贫苦黑人劳动者演唱的短曲，融合了教堂中的朗诵式节奏和韵律。这种音乐采用了中国民俗唱山歌中的呼应形式，英文称为Call and Response。一开始，蓝调音乐给人一种紧张、哭诉、无助的感觉，接下来的乐句则像在安慰和舒缓受苦的人。就好像受苦者向上帝倾诉，然后得到上帝的安慰和回应。因此，蓝调音乐注重于情感宣泄和原创性或即兴创作，这种即兴表演后来演变成各种音乐形式，如摇滚乐、摇摆乐、爵士乐等。口琴在蓝调音乐中的广泛应用始于二十世纪二十年代中期，当时在美国的街头艺人经常使用五弦琴、鼓和一种名为panquillpipes的吹奏乐器。由于吉他和口琴的性能更好、更适合在室外表演，口琴逐渐成为演奏蓝调音乐的常见乐器。约在三十年代左右，许多黑人移居到芝加哥这座大城市，蓝调音乐和口琴也随之在此地发展，并演变出一支名为Chicago Blues的独特音乐流派。

蓝调音乐常采用一种标准的曲式，称为12小节蓝调（12Bar Blues），这也是蓝调音乐的一大特色。蓝调音乐，又称布鲁斯（Blues），被公认为现代流行音乐的根源之一。它起源于美国黑人的民间音乐风格，早在南北战争之前就已经形成。黑人奴隶们创造了独特的音阶和和声，并用它来排遣艰苦生活中的压力，表达对家乡的思念。因此，蓝调音乐又被称为怨曲，是忧郁的象征。

蓝调音乐强调演奏者和歌手与音乐灵魂相通，即能力的即兴发挥。它运用大小七和弦、降三级和降七级音阶，以及吉他的推弦技巧，对后来几乎所有的现代流行音乐风格具有深远的影响。尽管蓝调音乐的基本元素在当代并没有太大变化，但其中的忧郁意味已经大为减少，因为许多白人音乐家也成为了蓝调音乐的大师。例如，约瑟琳·布朗和罗伯特·克雷是目前颇具影响力的蓝调音乐家，他们甚至参与了许多欧美流行音乐巨星的音乐制作。